PREMIOS

"ESTRELLA DE MAR" 2010 "La Familia" Pimpinela

El ingenioso musical de Pimpinela

El dúo Pimpinela y el elenco que protagoniza la obra La Familia llenan el teatro Auditorium, de Mar del Plata de carisma y de emoción Foto: LA NACION / Mauro V. Rizzi

Por Verónica Pagés
Enviada especial


Pimpinela, la familia. El musical del Bicentenario Libro: Lucía y Joaquín Galán, y Valeria Ambrosio. Dirección general: Valeria Ambrosio. Intérpretes: Lucía y Joaquín Galán, Ethel Rojo, Giannina Giunta, Mariela Passeri, Ivanna Rossi, Mónica Lerner, Alejandro Dambrosio, Jorge Priano, Ruben Roberts, Mariano Taccagni y coro (Analía Riamonde, Agustina Faillace, Victoria Barnfather, Pilar Rodríguez Rey, Melisa Noé, Marina Pereyra, Evelina Bubillo, Marcos Gorosito, Ezequiel Carrone, Leo Tito, Oscar Lajad, Sebastián Codega y Sebastián Vitale). Dirección musical y arreglos: Gaby Goldman. Dirección coreográfica: Mecha Fernández. Dirección de coros: Ana Carfi. Diseño de arte: Ana Repetto. Escenografía: Luis Castellanelli. Vestuario: Kris Martínez. Multimedia: Maxi Vecco. Iluminación: Horacio Efrén y Pablo Hernando. Productor general: Maxi Ambrosio. Teatro Auditórium (Mar del Plata). Duración: 120 minutos.
Nuestra opinión: Muy bueno.

MAR DEL PLATA.- No hace falta ser un fanático incurable de los Pimpinela para pasarla soberbio en este musical inteligentemente dirigido por Valeria Ambrosio. La directora tomó como eje -a partir de una idea conjunta de Joaquín, Lucía Galán y ella misma- la vida de la madre de estos dos cantantes para hacer un repaso de la carrera del dúo en el momento en que Lucía piensa abandonarlo. La mirada de la madre (Engracia Galán) es el hilo conductor que va uniendo un presente conflictivo (por esta decisión) con el pasado: su propia llegada al puerto de Buenos Aires en la década del 50. En los dos extremos se trata de mostrar la fortaleza que se necesita para poder seguir adelante, para tomar decisiones sentidas, sinceras y siempre riesgosas.

Con este panorama no es difícil adivinar que el espectáculo que se acaba de estrenar en Mar del Plata tiene mucho de emoción y nostalgia bien lograda, pero allí está Ambrosio para jugar con los climas y los ritmos, y se divierte colando en los momentos menos pensados altísimas cuotas de buen humor. Y aquí juega un papel fundamental el valioso ensamble de actores, cantantes y bailarines que logró formar y que está muy lejos de ser sólo un grupo multitudinario que llena la escena.

El repaso de la vida de los Pimpinela da excusas de sobra para volver a escuchar sus canciones (el público ama esos momentos), pero no están puestas al azar, cada una cuenta (en un logrado equilibrio entre humor y emoción) algo de la vida de los personajes. Es en esos vericuetos chiquitos en donde se nota -otra vez- la mirada de Ambrosio. Ella logra que el dúo de hermanos juegue con su propia historia, con los prejuicios y las críticas que, desde el comienzo mismo, tuvieron que soportar: "Hacen música rara", "Son mersas", "En este momento [los años 80] sólo se escucha música de protesta"? Y también están los sueños, el cuadro sobre los de Lucía es maravilloso: melodías emblemáticas de la comedia musical suenan con las letras de los Pimpi. Y ahí detrás se lo descubre a Gaby Goldman, director musical, responsable de los arreglos y conductor en vivo de una orquesta de diez músicos que puebla el foso de la enorme sala del Auditórium.

Sería interminable enumerar la enorme cantidad de hallazgos que ofrece este musical, pero no se puede dejar de lado el trabajo de Ethel Rojo que interpreta a Engracia, la madre Galán, una española corajuda y divertida a la que Rojo desborda de vitalidad; también se destaca Jorge Priano interpretando a Don Joaquín, el padre del dúo; y se descubre con felicidad a Ivanna Rossi, la eterna novia del joven Joaquín (luego su mujer) que vuelve a demostrar ductilidad, gracia y talento. Son muchos más los que deberían aparecer, pero sería casi mencionar al cast completo. Y sí, están ellos, Lucía y Joaquín que tiene un carisma y un enganche con su público que los vuelven queribles hasta para los más reacios. Actúan, cantan, bailan, se ríen de sí mismos con una soltura contagiosa.

El baile, protagonista
Otra responsable de este engranaje exacto es la coreógrafa Mecha Fernández, que dota de teatralidad a cada una de sus ingeniosas coreografías. También es destacable el diseño de arte de la siempre eficiente Ana Repetto.

Con tanto ingenio creativo es fácil hacer la vista gorda con algunos detalles, con algunas fallas técnicas que dejaron mostrar los hilvanes, que seguramente se irán emprolijando con el correr de las funciones.

En definitiva, Pimpinela, la familia es una producción grande, ambiciosa y tremendamente disfrutable que encuentra en Mar del Plata el entorno ideal para acomodarse y crecer.

Sin lugar a dudas, el musical de "los Pimpi" es, hasta ahora, la gran sorpresa de la temporada marplatense.

Amorcitos sigue viajando

AMORCITOS



Día y Hora: Viernes 20 – 10:30 hs.
Sala: Teatro Bar

"Amorcitos" nos invita a compartir un viaje a través del tiempo; adentrarnos en diferentes épocas, razas, costumbres y lugares para descubrir, imaginar y fantasear con el amor.

Grupo: EGOS
Elenco: Alejandro De la O, Noralía Savio
Autor: Mecha Fernández- Rony Keselman
Asistente General: Cecilia Di Marco
Técnicas: Vanesa Toranzo, Luciana Conci

Dirección: Mecha Fernández- Rony Keselman

Verano 2009/10

"La Familia" con los Pimpinela.
Dirección: Valeria Ambrocio. Música: Gaby Goldman. Coreografía: Mecha Fernández.
Auditorio Mar del Plata

NOMINACIÓN AL ACE

Nominación al Premio Ace por "TITULARES" la voz del pueblo
de Bernardo Carey. Dirección José María Paolantonio. Música Luis María Serra. Escenografía Héctor Calmet. Vestuario Nené Murúa
Felicitaciones por las nominaciones a Alejandro Awada, Luis maría Serra y Héctor Calmet

PREMIO ARGENTORES 2009

Gracias a Los Maestros
Gracias a Argentores
Gracias a Héctor Presa
Gracias a Lali, Sol, Matías, Luciana, Gastón, Marina y Luli
Gracias a Mini, Marta y Diego
Gracias al San Martín

AMORCITOS en Córdoba

Grupo EGOS teatro para niños
en
ALQUIMIA.

Todos los domingos de AGOSTO
Entrada general $ 12
promoción para grupos.

16 de Agosto Horario: 17:00hs
“Amorcitos” de Mecha Fernández y Rony Keselman

“Amorcitos” nos invita a compartir un viaje a través del tiempo; adentrarnos en diferentes épocas, razas, costumbres y lugares para descubrir, imaginar y fantasear con el amor
Actúan : Noralia Savio. Alejandro De La O.
Asistencia: Vanesa Toranzo- Cecilia Di Marco

Alquimia Teatro: Av. Padre Claret 5033

(Claret y Las vías – a cuadras del nudo vial “Mujer Urbana”) Zona Norte.

Te: (reservas) 0351- 4818378

“Cantata de Pedro y la Guerra”

La Universidad Popular de Belgrano y el Grupo de Teatro Buenos Aires
Presentan:
“Cantata de Pedro y la Guerra”
de María Inés Falconi cuenta la historia del vínculo que se desarrolla entre un niño y un adulto en una situación extrema: la guerra.

El Grupo de Teatro Buenos Aires presenta un espectáculo para niños de 9 años en adelante que invita a reflexionar, tanto a grandes como a chicos, sobre cómo el valor de los afectos y la fuerza de las palabras pueden ayudarnos en momentos donde debemos atravesar situaciones difíciles.
Cuatro actores, acompañados por un guitarrista, narran, interpretan y cantan esta historia a un tiempo triste y esperanzada.
Julián Sierra Claudio Provenzano Cynthia Fridman Marcelo Balaá Ricardo Scalise
Mecha Fernández[Corpografía) Alejandro Le Roux [Diseño de Iluminación]
Carlos Gianni[Música]Carlos de Urquiza Dirección
Funciones
Sábados 21 hs y Domingos 18.30
En Vacaciones de Invierno
Jue – Vier – Dom 18.30hs – Sáb 21 hs
Auditorio UPeBe – Universidad Popular de Belgrano
Campos Salles 2145 (Alt.Av Cabildo 3200)
Reservas: informes@upebe.com.ar – 4701 3101

“Musicool”

De Mecha Fernández, Gaby Goldman, Marcelo Kotliar, Ricky Pashkus. Vestuario: Renata Schussheim. Música: Gaby Goldman. Canciones: Marcelo Kotliar. Coregorafías: Mecha Fernández.Dirección: Ricky Pashkus
Con Vanesa Butera, Fernando Dente, Agustina Vera.
Velma Café. Gorriti 5520 / 30 y Humboldt
Todos los Viernes 24 hs

Alicia Rock

Sábados y Domingos 15 Hs. y 16:30 Hs.
Versión libre de Héctor Presa sobre el cuento de Lewis Carroll
Con María Eugenia Molinari y Jorge Almada
Música Original: Lito Nebbia. Coregorafías: Mecha Fernández. Vestuario: Gladys David
Sombreros y Objetos: Lelia Bamondi. Dirección Héctor Presa
Ciudad Cultural Konex Sarmineot 3131

MARIA ELENA Teatro San Martín

Re estreno 27 de Junio
Sala Casacuberta
Lali Lastra, Matias Zarini, Gastón D ´Angelo, Sol Ajuria,
Luli Romano Lastra y Luciana Larocca
Producción: Mariana Toledo Asistencia de Dirección:Daniela Sitnisky
Música:Angel Malher. Arreglos vocales: Diego Lozano Coreografía: Mecha Fernández
Escenografía: Marta Albertinazzi Vestuario: Mini Zuccheri
Luces: Alberto Lemme Dirección: Héctor Presa

TITULARES Teatro Presidente Alvear

Despedida el 27 de Junio

"Sueño con tangos en una noche de verano"

Estreno DOMINGO 07 de Junio, 19:30 hs Teatro La Galera. Humboldt 1591
Sábados 20:15 hs, Domingos 19:30
Versión libre de Héctor Presa sobre la novela de William Shakespeare
Arreglos Musicales: Diego Lozano. Coreografía: Mecha Fernández. Dirección: Héctor Presa
Elenco: Álvarez Leticia. Arroyo Franco. Corbalán Ezequiel. Morales Herrera Natalia. Prieto Peccia Matías. Rivas Bahamondes Stephanie. Vera Daiana. Vidal Laura

Gracias ATINA

Gracias ATINA

Ganadores de los Premios ATINA 2008

Buenos Aires, 23 de marzo de 2009. El lunes 06 de abril de 2009 a las 20, conmemorando el Día Mundial del Teatro para Niños, ATINA realizará la tercera edición de la entrega de los Premios ATINA a la producción teatral 2008 realizada en todo el país. La ceremonia tendrá lugar en el teatro La Comedia, Rodríguez Peña 1062, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Los premios tienen como objetivo estimular a los teatristas que se dedican al género infantil y juvenil, proyectar y hacer conocer la actividad a través de las propuestas que hayan obtenido este reconocimiento y difundir la actividad en todos sus aspectos: creación, producción, investigación, realización, etc.

Los siguientes premios fueron otorgados directamente por los socios de ATINA:

Premio a la Trayectoria: La Galera Encantada

Premio al medio de comunicación que haya contribuido a la difusión del teatro para niños y jóvenes: Revista Planetario

El Jurado estuvo integrado por investigadores teatralesy periodismo especializado: Mónica Berman, Nora Lía Sormani, Patricia Lanata, Ariel Saidón, Melania Torres Williams, Silvana Hernández, Lita Llagostera y Blanca López. A continuación los premiados:

LISTADO DE GANADORES POR RUBRO
COREOGRAFÍA

Mecha Fernández (María Elena, Robin Hood y De paraguas)

ESPECTÁCULOS
María Elena (La Galera Encantada) Buenos Aires

INTÉRPRETE FEMENINA
Lali Lastra (María Elena)

DIRECCIÓN
Héctor Presa (María Elena)

DISEÑO ESCENOGRÁFICO
Marta Albertinazzi (María Elena y Robin Hood)

DISEÑO DE VESTUARIO
Mini Zucheri (María Elena)

"TITULARES" La voz del pueblo

"TITULARES" La voz del pueblo

de Bernardo Carey
Dirección General: José María Paolantonio
Escenografía y Dirección de Arte: Héctor Calmet
Música: Luis María Serra
Vestuario: Nené Murúa
Iluminación: Tito Diz
Arte multimedia: Sebastián Irigo
Coordinaqción Multimedia: Walter Peña
Coreografías y Corpografías: Mecha Fernández

Teatro Presidente Alvear - Complejo Teatral de Buenos Aires
23 de Abril de 2009
"Ni la cronología ni los personajes ni los hechos responden a la historia real, son , ojalá, su sentido"
El autor

Botana ------------------------------------Alejandro Awada
Salvadora ------------------------------- Ana Yovino
"Diente" Dughera ---------------------- Cutuli
Cipriano -------------------------------- Carlos Da Silva
Gral. Agustín P. Justo ----------------Manuel Vicente
Borges / Saldías -----------------------Nelson Rueda
Conrado Nalé Roxlo / Lorca -------- Pablo Alvarenga
Fijman / Neruda ------------------------ Pablo Razuk
Roberto Arlt / Damonte Taborda --- Mariano Fernández
Pitón ------------------------------------- Emiliano Dionisi
Blanca Luz ------------------------------Mónica D'Agostino
Sra. de Justo -------------------------- Naanim Timoyko
Siqueiros -------------------------------- Rubén Ballester
Edmundo Guibourg ------------------ Pedro Ferraro
Norah Lange --------------------------- Mónica D'Amico
Claudia Rocha Maderholz, Evelina Bubillo, Laura Lanci, Luciana Larocca, Mónica Soruco, Pilar Rodríguez Rey, Celeste Geréz, María Milessi, Antonio Hair, Emmanuel Robredo Ortiz, Manuel Coggiola, Juan Manuel Fernández, Sergio Lobo, Martín Peirano Pablo Sciolini

Teatro Museo Larreta 2009

"Bolsillitos, lugares donde guardar secretos"
de Héctor Presa. Música: Diego Lozano. Vestuario:Lali Lastra. Coreografías: Mecha Fernández. Técnico Responsable: Martín Sampallo. Dirección: Héctor Presa
Elenco: Catalina Flaschi, Erica D´Alessandro, Guillermina Calicchio y Maite Mosquera.
Miércoles a Domingos: 18 hs


"A los jóvenes de ayer"
de Héctor Presa.
Vestuario: Lali Lasta, Coreografías: Mecha Fernández.
Asistencia de Dirección: Leticia Gian. Dirección: Héctor Presa
Elenco: Marianela Abalos, Catalina Flaschi, Mariana Eskenazi, Maria Espina, Rocío García, Lucía Guerpe y Gabriel Velázquez.

Jueves a Domingos 20 hs

Jardines del Museo Larreta Vuelta de Obligado 2155

Revista Planetario

Entrevista / Mecha Fernández Nació en una familia de artistas, se crió viendo a su prima bailar en el Colón y a su tía actuar en el Cervantes. A los cinco años su mamá la envió a estudiar danza “para que tuviera un lindo andar”. Debutó como bailarina a los 17 años, estudió actuación, dirección y composición coreográfica. En 1988 montó su primera coreografía para la obra Atrapen al cuco, desde entonces, Mecha Fernández ha recorrido, danzando lindo, un destacado camino como coreógrafa de espectáculos para chicos (y grandes). por Marisa Rojas En este 2008 que ya estamos despidiendo celebraste veinte años de trabajo como coreógrafa. ¿Qué recuerdos tenés de esos comienzos? Recuerdo que, en efecto, fue hace ya veinte años, y estoy profundamente agradecida. En 1988 hice mi primera obra como coreógrafa, Atrapen al cuco, dedicada al público infantil, en el Teatro Comedia de La Plata por invitación de Alberto (Paco) Fernández de Rosa. Antes de eso yo bailaba, mucho, de todo, y hacía asistencias coreográficas, pero ese fue el primer espectáculo en el que realicé las coreografías con carácter profesional, es decir, ¡gané plata y todo! Siento que debo dar muchas gracias, por ese comienzo y por lo vivido luego. ¿Cuál fue tu recorrido como artista de la danza antes de 1988? Yo empecé a estudiar danza a los 5 años. Hay una anécdota que siempre cuento porque es divertida y es que mi mamá decía: “Vamos a llevarla a baile para que tenga un lindo andar”. Después nadie se dio cuenta que me pasé la mitad de la vida caminando ‘diez y diez'… Lo cierto es que el primer día que mamá me llevó a danza yo me agarré de la barra y no me solté nunca más, me encantó. A los 17 años hice mi primera obra como bailarina con Jorge Ferrari, que ahora es escenográfo pero entonces era coreógrafo. Pero incluso antes, de más chica, bailé en el San Martín con la escuela de danza donde tomaba clases. Tus primeros pasos artísticos los diste en la danza clásica pero revisando tu recorrido profesional encontramos que has transitado muchos, muchísimos géneros… Lo primero fue danza clásica, hice folclore y español, que era lo que se estudiaba en esa época. Y a partir de ahí seguí bailando de todo. Era adolescente cuando mi profesora, mi maestra Rina Valver, y también Ricardo Rivas, me dijeron que por qué no intentaba otro tipo de danza. Audicioné para el Taller de Danza del Teatro San Martín y me metí en la danza contemporánea. Estuve ahí durante años hasta que Rubén Cuello me dijo: “Venite al musical, hagamos comedias musicales”. En el medio, bailé tango, me fui a Europa con el grupo de Mariano Mores. Y también hice revista, en el Maipo, con Antonio Gasalla. Y todo fue bárbaro porque uno se va formando de todo eso que va haciendo, y aprendiendo y conociendo. Por eso siempre les digo a mis alumnos, hagan todo, siempre que sea decente, hagan todo. ¿En qué momento decidiste bajar del escenario y componer coreografías para que otros las danzaran? Yo pasé del clásico al contemporáneo, del contemporáneo a la comedia musical, de la comedia al tango, del tango a la revista, de la revista al teatro de prosa… fui actriz también. Pero siempre me gustó estudiar, entonces mientras me formaba como bailarina estudiaba composición coreográfica. Yo para cada paso que doy soy bastante lenta, pienso mucho, doy muchas vueltas, y con la composición me pasaba eso. Me la pasaba haciendo coreografías pero no me dedicaba definidamente. Y en tanto, estaba arriba del escenario. Pero llegó un momento en que me cansé de eso. Por eso, cuando me llamó Paco lo pensé, lo dudé mucho, le pregunté mucho y él me dijo: “Pero si lo estás haciendo todo el tiempo, por lo menos cobrá por lo que hacés” ¡Y era cierto! ¡Y me animé! ¡Y me encantó! A partir de ahí ya no quise subir más al escenario, me arriesgué a trazar este camino como coreógrafa que me permite jugar, porque crear es jugar. Yo me divierto mucho creando coreografías porque es el espacio donde tengo permiso de juego. ¿Y por qué un desarrollo tan fuerte como coreógrafa para producciones destinadas al público infantil? En tu currículum se cuentan en estos 20 años, 55 espectáculos para chicos. Cierto, entre Atrapen al cuco y María Elena, que fue la última obra, han sido 55 los títulos. En este país no hay una especialización en teatro para niños, en ninguno de sus rubros. Yo me fui haciendo, fui aprendiendo en el hacer, como asistente de Rubén Cuello con el grupo Catarsis, de Manuel González Gil primero, y luego con Carlos de Urquiza en la Universidad Popular de Belgrano. Hasta que en el ‘94 surgió la posibilidad de trabajar con Héctor Presa en el Cervantes para dirigir Sandokán, ahí comenzó mi etapa en La Galera. A mí danzar me encanta y me emociona, y pensar en coreografías para espectáculos para chicos me divierte, insisto, me permite jugar. Mencionaste la falta de especialización en teatro para niños en el país. Muchos aspectos de la cultura infantil son aún hoy mirados como algo menor, ¿cuál es tu experiencia como artista de la danza dentro del teatro infantil? Con respecto a eso y a esta altura de mi vida, con la poca o mucha experiencia que tengo, lo que se piensa del teatro infantil creo que es problema de los ojos que miran. Antes me preocupaba y me daba mucha angustia que no se reconociera tal o cual cosa y que no se viera el trabajo realmente profesional que muchos artistas dedicados a trabajar para los chicos hacemos, que lo único que le interesara a muchos fuera llegar a las vacaciones de invierno para hacer una diferencia económica. Me peleé con eso durante años hasta que entendí que hay lugar para todos y que mientras uno siga su camino está todo bien. Yo hago lo que a mí me gusta y tarde o temprano las recompensas llegan. Pero para eso tenés que estudiar, investigar, saber qué le pasa a un niño en cada una de las distintas etapas de su vida. A mí me parece patético que una nena de 8 años que todavía no tiene cintura, porque todavía su estructura ósea no está formada, baile moviéndose como si fuera una chica de 18 años. Y no es por pacata, es porque estudié el cuerpo humano y su evolución y sé que hay cosas que se deben tener en cuenta y no olvidar las capacidades de cada persona en cada estadio de su evolución. En los espectáculos infantiles, se trate de megaproducciones o de productos independientes, la danza está siempre presente. ¿Cuál es tu mirada al respecto, revisando lo acontecido en estos últimos veinte años? El bailecito, el pasito, siempre han estado presentes. Porque la danza es alegría. Y lo primero es el movimiento. Un niño recién nacido que abre la boca dice el verbo al emitir su llanto pero desde antes, en la panza de la mamá, ya está en movimiento. La vida es movimiento permanente. Incluso la quietud es movimiento, todo es movimiento. El cuerpo tiene su lenguaje, si a eso le ponemos un tempo musical nos vamos a encontrar con una coreografía, y eso es lo más primitivo que tenemos. Ahora, en cuanto a tu pregunta, sí creo que definitivamente ha cambiado el modo de entender cómo y por qué tratar de acercarse a los chicos a través de este lenguaje. Y esto cambió en nosotros, creadores, y en el público. Las búsquedas y las expectativas hoy son otras en ambos. Antes alguien venía y decía: “acá va la coreografía, en este huequito, fijate qué podés hacer”, y todos entendíamos que eso debía ser así. De alguna manera afortunadamente ahora, no digo todos pero sí muchos de nosotros, tratamos de relacionar todos los aspectos del espectáculo, de que sean creaciones integrales, que haya una unidad en toda su variedad de lenguajes sobre el escenario. Ya no hablamos, por lo mismo, de baile, ahora todo es una gran coreografía. Ahora pensamos, como me dijo hace poco José María Paoloantonio -con quien estoy trabajando en un espectáculo para adultos que irá al Teatro Presidente Alvear el próximo año-, en coreografías y en corpografías. Porque en el teatro hay una musicalidad total, los actores se paran de una determinada manera y todo está cada vez más integrado y de algún modo musicalizado. Eso se llama corpografia. ¿Cuál es, de estos veinte años, la coreografía que más recordás? ¡Ay, eso es como preguntarme cuál te gusta más de tus chicos! No sé… Bueno, una de este año, María Elena. El final de María Elena me gusta mucho, mucho, es muy emocionante, es una coreo intensa y los actores a esa altura están agotados pero le ponen mucha polenta, es como que se reaniman, reciclan la energía para ese final emocionante. También me gusta mucho el final de Amorcitos porque es re tierno. Y los bailes de Odisea, porque en ellos había mucha gente y a mí los bailes con mucha gente me encantan. ¿Y cuál es “esa” coreografía que tenés en mente, “esa” idea a la que quisieras ponerle movimiento? La nueva obra que estamos pensando con Rony es algo que tiene que ver con el despertar, con prestar atención a que uno se despierta todas las mañanas, con todo lo que eso lleva, y también con el despertar de las ideas, de las emociones, de las buenas y de esas que tienen mala fama también. Estoy buscando un modo de despertar más allá de abrir y estirar los brazos, busco danzar otra manera de despertar. Un grupo de dos En el 2002, luego de varias colaboraciones mutuas, Mecha formó su propia compañía junto a Rony Keselman. Ella como coreógrafa y él como músico, son, además, los responsables de los libros y de la dirección de los espectáculos. “Juntos formamos un pequeño grupo, hemos hecho en este tiempo dos obras, Amorcitos (2002) y A las cuatro (2006), y ahora estamos en funcionamiento para hacer una tercer obra”, cuenta. La idea que dio origen a Amorcitos fue la investigación del espacio sonoro corporal en el teatro para los más chicos. En A las cuatro, decidieron ahondar en la estética y en el concepto teatral y pedagógico de su primera producción respetando las premisas de un teatro corporal y musical, creando un espectáculo de acción en el cual los movimientos y los efectos sonoros se encuentran perfectamente sincronizados. “Nuestras producciones nos implican un trabajo de investigación –y de creación- súper detallado, estamos un año con cada obra hasta que la idea se va concretando. Partimos de una idea que volcamos a un primer guión al que le vamos poniendo ritmo en todas sus instancias, no sólo en las coreográficas. Filmamos eso a partir de un primer trabajo con los intérpretes y con ese material nos vamos al estudio donde Rony comienza a hacer y a poner la música, es al revés de lo habitual. Hay una primer música que es la del movimiento pero después hay un música concreta que una vez compuesta se vuelve a llevar a ensayo donde se prueba, se ajusta, se empata. Es un largo proceso de ida y vuelta y por eso tardamos tanto. Por eso es también tan exacto, y donde el actor movió la mano hay un sonido, como en las viejas películas. Es un trabajo de investigación permanente, de ver cómo jugamos a esto, pero a mí me apasiona, es nuestro lugar de libertad absoluta”, cuenta Mecha. Con un nuevo elenco, en noviembre pasado Amorcitos se reestrenó en la Ciudad de Córdoba “A mí danzar me encanta y me emociona. Pensar coreografías para chicos me divierte, me permite jugar."

Premio ACE CLARIN y TEATROS DEL MUNDO

"MARÍA ELENA"

Nominada al Premio ACE
Nominada a los Premios Clarín
Nominada XI Premios de los Teatros del Mundo

Estrenada el 19 de Julio de 2008.
Complejo Teatral de Buenos Aires.
Teatro San Martín, Sala Casacuberta

XI Entrega de los Premios Teatro del Mundo

"De Paraguas" de Silvia Copello - Música Rony Keselman - Mecha Fernández

"Robin Hood" de Héctor Presa - Ángel Malher - Mecha Fernández

"María Elena" de Héctor Presa - Ángel Malher - Mecha Fernández

Veinte años a puro movimiento

Miradas, recuerdos y modos de trabajar de la coreógrafa Mecha Fernández Por Ruth Mehl "Diseñar coreografías es pintar imágenes en el escenario; es jugar en silencio, aun sin las palabras, aun sin la música", dice Mecha Fernández, mientras uno cae en la cuenta de que, con sus gestos unidos a las palabras, la coreógrafa está dibujando también esta conversación. Lo primero que surge como pregunta, al tomar conciencia de que han pasado 20 años desde sus primeros trabajos, –que son el arranque de toda una trayectoria en la escena infantil–, es cómo ve ella la evolución de la coreografía como parte del código del teatro musical e incluso del teatro en general. "Antes –cuenta– yo me decía: «Bueno, ahora viene unbailecito». Es que así se concebía el musical; una escena de diálogo y acción; un baile con una canción, que podía agregar o no algo a lo que se estaba mostrando; otra escena; otro baile. Ahora, la idea estética es muy diferente. En cierto sentido, todo está coreografiado; el chico tiene una capacidad muy grande de observación, especialmente cuando se trata de movimiento. Nada puede estar librado al azar. Hasta cuando no suena la música hay un ritmo corporal. Es más: actualmente se está hablando de la corpografía, que viene a ser la coreografía actuada. Ahora –sigue explicando– dirigimos la escena en cuanto a la puesta, cuidando los ritmos, sin pausa, y es un trabajo de equipo, de mucha concentración." Diferencias Fernández rememora su aprendizaje con los directores de teatro para chicos. "Trabajé con el Grupo Catarsis y recuerdo, por ejemplo, como insistía Manuel González Gil, en cierta actitud hacia el público infantil relacionada con la acción corporal. Se trata de una sinceidad; de que el movimiento sea franco, sin vericuetos, no erotizado; algo que los chicos reconozcan y que puedan imitar. Esto es muy diferente de que los actores se hagan los bebotes. Significa que la actitud es pura, limpia; algo que el chico acepta sin esfuerzo. Otra cosa importante también es que haya repetición, lo que llamamos el número tres: que las cosas vuelvan a ser dichas, actuadas, bailadas, para que el niño las encuentre, las recuerde y, si quiere, las imite", señala. Directores y estilos Además de trabajar como coreógrafa y directora en teatro para adultos y comedias musicales, es una habitual colaboradora del grupo La Galera Encantada. Asimismo, es autora de la celebrada coreografía de María Elena, que estrenó el Teatro San Martín en esta temporada y que cautivó especialmente a la platea de adultos que acompañaban a los niños. "Fue un trabajo de mucha investigación con Héctor Presa, el director. Estábamos ubicados en un escenario circular; entonces, me sentaba en istintos puntos y miraba por dónde pasaban las diagonales: un desafío si uno trabaja casi siempre con el teatro a la italiana. En María Elena buscamos, y creo que lo logramos, que el movimiento avanzara y se integrara al texto y a la acción; que la canción se bailara y la danza se cantara; es una cuestión de gestualidad, y el entendimiento con el director tiene que ser muy bueno. Personalmente, me gusta esta relación con el director, con quien nos planteamos las escenas, y puedo aportar ideas especialmente sobre la forma de integrar la coreografía, que cada vez parece darle otra dimensión a la escena teatral. Por supuesto, la última palabra la tiene el director, pero la experiencia te enseña a trabajar en equipo." Mecha Fernández suele intentar que la coreografía sea una escena más dentro del mismo color de la paleta que plantea la obra. "Por ejemplo, en De paraguas , de Silvia Copello, casi no hay texto; la coreografía destaca el protagonismo de los paraguas y juega con el tema de la lluvi, sugerido por la música. Hay un diálogo entre los paraguas mediante el movimiento." http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=1060495

Espectáculos

Domingo 05.10.2008
Platea infantil
La música que emerge del teatro

Las bandas de sonido de espectáculos infantiles son productos elaborados y muy buscados

La importancia de la música en un espectáculo infantil no siempre es debidamente valorada. Pero creadores que trabajaron juntos, como Carlos Gianni y Hugo Midón, Rony Keselman y Silvia Copello o Mecha Fernández, Héctor Presa y Angel Mahler, Marisé Monteiro y Martín Bianchedi, Omar Alvarez y Popi Spatocco, entre otros, entendieron muy bien la función crucial que los compases y las melodías bien elegidos pueden desempeñar en la concreción de un espectáculo emotivo, placentero, con climas significativos y canciones que cuentan o comentan a la par de la acción.

Muchos espectáculos para chicos que incluyen canciones suelen ofrecer en venta los CD, para que los niños se los lleven a su casa y recuerden lo que vieron, lo recreen, o inventen nuevos juegos para disfrutar de las canciones y el movimiento que la música les sugiere.

Es indudable que los textos y su poesía también son importantes, porque los niños se valen de las palabras para recordar las melodías, y el contenido es esencial, ya que en algún momento (el de ellos) reconocerán su sentido y las procesarán.